My painting techniques
(German version below)
Every painter has his technique to paint a picture. I have different approaches, depending on the subject and size. Sometimes I paint like the old masters of the Renaissance (well, almost ...😏), sometimes spontaneously like the impressionists and then again very contemporary with acrylic underpainting.
Let’s start with the latter technique. For larger, more elaborate paintings, I sometimes start with several layers of acrylic paint, which I paint in expressive strokes with very wide brushes on the canvas, spray paint and then—partially with additional water—let paint flow down. After each layer, the paint must dry completely. Therefore, this process often takes several days. Since I turn the picture again and again—and often do not even know where later will be above and below—there are drip marks in several directions. The picture now looks more like a Pollock and lets nothing guess of the finished picture, yet.
Then I paint with oil paint. Again in several layers. On acrylic you can paint wonderfully with oil paints, which is not possible vice versa. I prefer to use oil paints with transparent or semi-transparent pigments, so that the underlying layers shine through. Where I do not want this shining through, or only to a lesser extent, I work with opaque colors. This means that in addition to the color tone and the contrasts in the picture, I must also pay attention to the transparency or opacity of the paint. The acrylic color will therefore at least partially show through to the top or even remain completely visible at unprocessed edges.
As contemporary as this acrylic/oil paint combination is, it is not at all far away from the technique of the old masters. The old masters did not simply brush mixed paint onto the white canvas. They also worked in layers. The lower layers were not acrylic, of course, since that has only been around since the middle of the 20th century. The lower layers were mostly oil, sometimes egg tempera. Tempera paint is made of egg. Either only egg (tempera magra) or mixed with oil (tempera grassa).
In this process, since the High Renaissance, artists have applied dark colors over the entire surface (imprementur). Then they painted the light areas with white - often in several layers. And the dark areas with, for example, dark brown tones. This created a kind of black and white image (grisaille). After drying, they then went over it in many layers of glaze, that is, with transparent paint, and thus brought the color into the picture.
One advantage is best explained by red: If a red is mixed with white, pink is created. White makes colors milky. However, the coat of a saint should rarely become pink, but the lighter and darker tones light and shade and thus create the plasticity. If, on the other hand, light and dark are painted first and then glazed over with red, the red hue remains red even in the light areas and does not become pink. This is the only way to achieve the luminosity of paintings by Caravaggio or Rembrandt, for example.
Since about the time of the Impressionists, many painters have replaced this layered painting with a spontaneous application of the colors: Alla Prima. The Impressionists avoided the milky colors by placing the colors next to each other rather than mixing them. The mixture is created in the eye: the impression of the color. The same principle as with a monitor, which conjures up millions of colors from three primary colors. Only that the pixels are smaller than the brushstrokes of the impressionists.
Today, people very often paint Alla Prima. After all, it is faster and allows for much more spontaneity. The milky colors are accepted or immediately replaced by artistic color worlds. And some motifs can tolerate milky tones. I also occasionally paint Alla Prima.
The longer I paint, the more important the techniques have become for me to achieve the optimal result. You can now perhaps imagine why even a small painting often means 10, 20, or 30 hours of work, spread over several weeks. And, that the layers have to be planned, since I can’t undo any of it once the layer is dry.
Cordially
Michael
I painted this picture in layers, like the old masters – Dieses Bild habe ich in Schichten gemalt, wie die alten Meister
Meine Maltechniken
Jeder Maler hat seine Technik, ein Bild zu malen. Ich habe verschiedene Herangehensweisen, abhängig vom Motiv und der Größe. Manchmal male ich wie die alten Meister der Renaissance (naja, fast …😏), manchmal spontan wie die Impressionisten und dann wieder sehr zeitgenössisch mit Acryl-Untermalung.
Fangen wir mit der letztgenannten Technik an. Bei größeren, aufwändigeren Bildern starte ich manchmal mit mehreren Schichten Acrylfarbe, die ich in expressiven Strichen mit sehr breiten Pinseln auf die Leinwand male, spritze und dann noch teilweise mit zusätzlich Wasser herabfliessen lasse. Nach jeder Schicht muss die Farbe komplett trocknen. Deshalb dauert dieser Prozess oft mehrere Tage. Da ich das Bild dabei immer wieder drehe – und oft noch gar nicht weiß, wo später oben und unten sein wird – gibt es Tropfspuren in mehrere Richtungen. Das Bild sieht nun eher wie ein Pollock aus und lässt noch nichts vom fertigen Bild erahnen.
Dann male ich mit Ölfarbe wieder in mehreren Schichten. Auf Acryl kann man wunderbar mit Ölfarben malen, was umgekehrt nicht möglich ist. Dabei verwende ich vorzugsweise Ölfarben mit transparenten oder halbtransparenten Pigmenten, so dass die darunter liegenden Schichten durchscheinen. Wo ich dieses Durchscheinen nicht oder nur schwächer haben will, arbeite ich mit deckenden (opaken) Farben. Das heißt, neben dem Farbton und den Kontrasten im Bild, muss ich zusätzlich auf Transparenz bzw. Deckungsgrad achten. Die Acrylfarbe wird also zumindest teilweise bis oben durchscheinen oder an unbearbeiteten Rändern sogar ganz sichtbar bleiben.
So zeitgenössisch diese Acryl-/Ölfarben-Kombination ist, so weit ist sie gar nicht von der Technik der alten Meister entfernt. Denn die alten Meister haben keinesfalls einfach nur angemischte Farbe auf die weiße Leinwand gepinselt. Sie haben ebenfalls in Schichten gearbeitet. Die unteren Schichten waren natürlich kein Acryl, da es das ja erst seit Mitte des 20. Jahrhunderts gibt. Die unteren Schichten waren meist Öl, manchmal auch Eitempera. Temperafarbe besteht aus Ei. Entweder nur Ei (Tempera magra) oder mit Öl (Tempera grassa) gemischt.
Dabei haben seit der Hochrenaissance die Künstler dunkle Farben ganzflächig aufgetragen (Imprementur). Dann haben sie mit weiß die hellen Stellen gemalt – oft in mehreren Schichten. Und die dunklen Bereich mit zum Beispiel dunklen Brauntönen. So entstand eine Art schwarzweißes Bild (Grisaille). Nach dem Trocknen sind sie dann in vielen Lasurschichten, also mit transparenter Farbe, drüber gegangen und haben so die Farbe ins Bild gebracht.
Ein Vorteil ist an Rot am besten erklärt: Wird ein Rot mit Weiß gemischt entsteht Rosa. Weiß macht Farben milchig. Der Mantel eines Heiligen sollte jedoch selten rosa werden, sondern die helleren und dunkleren Töne Licht und Schatten und somit die Plastizität erzeugen. Wird dagegen zunächst Hell und Dunkel gemalt und dann mit Rot drüber lasiert, bleibt der rote Farbton auch in den hellen Stellen rot und wird nicht rosa. Nur so ist die Leuchtkraft der Bilder von z. B. Caravaggio oder Rembrandt überhaupt möglich.
In etwa seit den Impressionisten haben viele Maler diese Schichtenmalerei durch ein spontanes Auftragen der Farben ersetzt: Alla Prima. Die Impressionisten haben die milchigen Farben dadurch vermieden, dass sie die Farben nicht gemischt, sondern nebeneinander gesetzt haben. Die Mischung entsteht im Auge: die Impression der Farbe. Dasselbe Prinzip wie bei einem Monitor, der aus drei Grundfarben Millionen von Farben zaubert. Nur, dass die Pixel kleiner sind als die Pinselstriche der Impressionisten.
Heute wird sehr häufig Alla Prima gemalt. Es geht ja auch schneller und ermöglicht viel mehr Spontanität. Die milchigen Farben werden dabei in Kauf genommen oder gleich durch künstlerische Farbwelten ersetzt. Und manche Motive vertragen ja auch milchige Töne. Auch ich male gelegentlich Alla Prima.
Je länger ich male, desto wichtiger sind die Techniken für mich geworden, um das optimale Ergebnis zu erreichen. Du kannst Dir jetzt vielleicht vorstellen, warum selbst ein kleines Bild oft 10, 20 oder 30 Stunden Arbeitszeit bedeutet, verteilt über mehre Wochen. Und, dass die Schichten geplant werden müssen, da ich nichts davon rückgängig machen kann, sobald die Schicht trocken ist.
Herzlich
Michael
