10/6/2020 11:55:51 AM
(German version below)
My story as a painter, like so many others, begins with the fact that I was given a box of oil paints as a gift for my ninth birthday. My birthday is in early December and I spent the Christmas holidays with my grandfather. As did his brother, who was also a painter. He showed me how to handle colours and painting materials and how to paint a picture. As I had already liked to draw before, from now on my big dream was to become an artist. But I had no idea how to do that or what it meant. I was nine!
In the following years I painted and drew more and more. For my first pen pal (a holiday romance), for exhibitions at school and to get into the art advanced course. However, studying art was a bit more difficult in 1982. It seemed almost certain that you could never live on it. There were only 8,000 collectors at that time. Worldwide! Today there are probably 40,000-50,000 in Germany alone. And there were even fewer academies than today that took on very, very few students.
So I studied something related: graphic design. I was always able to remain true to painting, and during my studies I also had training in painting, composition, nudes, drawing, illustration, printing and everything else you need for a craft. After all, graphic design at that time was still manual work without a computer.
I worked as a designer until 2005. But I have always remained true to painting. I just had to take one little longer break. Over the decades I had more or less possibilities to paint (space, time). When I had the opportunity to rent a studio for the first time in 2013, I was finally able to increase both quality and quantity. The two most important prerequisites to survive in the art market.
But the path was not as easy as it may sound. In my early years I painted mostly surrealistic subjects in photorealistic style. That was the early eighties. Today, photorealism is no longer an issue for me. But my working method and my brushstroke are still influenced by it. Letting go is not as easy as I imagined.
That’s why I first tried to leave motifs completely or largely untouched and paint non-representational. I attended further training, experimented with material and searched for my style. To find out in the end that it is a wrong way. I am a figurative painter. But how to become more relaxed and expressive in the figurative? Maybe not everyone can imagine that, but it is easier to stick to your old brushstroke. In addition, despite nude drawing during my studies, I did not exactly achieve tolerable results in figurative representations. So I practiced nude, figure and portrait, because I hadn’t done that for decades.
In the meantime I am quiet satisfied with my development and I think I have achieved a lot in the figurative as well. Of course satisfaction is only a short moment, because the next painting will always be the better one. I continue to develop with the oeuvre. If you look at my development in the individual categories of the Works menu, you will notice it.
You can see the development especially well with the three variations of Mona, which I painted all of them shortly after each other in summer 2020. Mona 1 may look the most difficult, but for me it was Mona 3 that took the most effort (letting go) and whose result satisfies me the most.
How do you feel about this development? Because of course everyone has different ideas about expression, style and art. I would be very interested in your opinion and point of view.
Under "
About" and „
Artist’s Bio" you will find more information about how I came to painting and my subject.
Cordially
Michael
Mona 1, 2 and 3
Meine Story als Künstler
Meine Geschichte als Maler beginnt, wie bei so vielen damit, dass ich zu meinem neunten Geburtstag einen Kasten mit Ölfarben geschenkt bekam. Mein Geburtstag ist Anfang Dezember und die Weihnachtsferien verbrachte ich bei meinem Opa. Ebenso wie sein Bruder, der auch Künstler war. Er zeigte mir, wie man mit Farben und Malmitteln umgeht und wie man ein Bild malt. Da ich zuvor schon gerne gezeichnet habe, war ab sofort mein großer Traum, Künstler zu werden. Ich hatte allerdings keine Ahnung, wie das geht oder was das bedeutet. Ich war neun!
In den nächsten Jahren malte und zeichnete ich immer mehr. Für meine erste Brieffreundin (einer Urlaubsliebelei), für Ausstellungen in der Schule und um in den Kunst Leistungskurs zu kommen. Kunst zu studieren war allerdings 1982 etwas schwieriger. Es erschient nahezu sicher, dass man davon nie leben kann. Es gab damals gerade einmal 8.000 Sammler. Weltweit! Heute sind es wohl alleine in Deutschland 40.000–50.000. Und es gab noch viel weniger Akademien als heute, die auch nur sehr, sehr wenige Studenten aufnahmen.
Also studierte ich etwas artverwandtes: Grafik Design. So konnte ich der Malerei immer treu bleiben und hatte im Studium auch Ausbildungen in Malerei, Komposition, Akt, Zeichnen, Illustration, Druck und alles, was man so fürs Handwerk braucht. Schließlich war Grafik Design damals auch noch Handarbeit ohne Computer.
Als Designer habe ich bis 2005 gearbeitet. Der Malerei bin jedoch immer treu geblieben, habe nur eine etwas längere Pause einlegen müssen. Im Laufe der Jahrzehnte hatte ich jedoch mal mehr, mal weniger Möglichkeit zu malen (Platz, Zeit). Als ich dann 2013 erstmals die Möglichkeit hatte ein Atelier zu mieten, konnte ich endlich sowohl Qualität wie auch Quantität immer weiter steigern. Die beiden wichtigsten Voraussetzung um am Kunstmarkt bestehen zu können.
Doch so ganz einfach war der Weg nicht, wie es vielleicht klingen mag. In meinen frühen Jahren malte ich teilweise surrealistische Sujets im photorealistischen Stil. Das waren die frühen Achtzigerjahre. Heute ist Photorealismus für mich kein Thema mehr. Doch meine Arbeitsweise und mein Pinselstrich sind noch davon geprägt. Loszulassen ist nicht so einfach, wie ich es mir vorgestellt habe.
Ich habe deshalb zunächst versucht Motive ganz oder weitgehend zu lassen und ungegenständlich zu malen. Ich habe Fortbildungen besucht, mit Material experimentiert und nach meinem Stil gesucht. Um am Ende festzustellen, dass es ein Irrweg ist. Ich bin ein gegenständlicher Maler. Doch wie im Gegenständlichen lockerer, expressiver werden? Das kann sich vielleicht nicht jeder vorstellen, aber es ist leichter bei seinem alten Pinselstrich zu bleiben. Dazu kam, dass ich trotz Aktzeichnen im Studium nicht gerade erträgliche Ergebnisse figürlicher Darstellungen erzielte. Also übte ich Akt, Figur und Portrait, denn das hatte ich Jahrzehnte nicht mehr gemacht.
Mittlerweile bin ich soweit zufrieden mit meiner Entwicklung und denke, ich habe auch im Figürlichen vieles erreicht. Natürlich ist Zufriedenheit nur ein kurzer Moment, denn das nächste Bild ist immer das bessere. Ich entwickle mich mit dem Oeuvre weiter. Wenn Du meine Entwicklung in den einzelnen Kategorieren des Menüs Works anschaust, wird es Dir auffallen.
Besonders gut siehst Du die Entwicklung bei den drei Varianten von Mona, die ich alle kurz nacheinander im Sommer 2020 gemalt habe. Mona 1 mag am schwierigsten aussehen, doch für mich war es Mona 3, die am meisten Überwindung (loslassen) gekostet hat und deren Resultat mich am meisten befriedigt.
Wie geht es Dir mit dieser Entwicklung? Denn natürlich hat jeder andere Vorstellungen von Ausdruck, Stil und Kunst. Mich würde Deine Meinung und Sichtweise sehr interessieren.
Unter “About” und “Artist’s Bio” findest Du weitere Infos darüber, wie ich zur Malerei und zu meinem Thema gekommen bin.
Herzlich
Michael
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